Écouter Yolaine Wuest, c’est accepter de ralentir pour laisser la place à la vibration du silence. Chez elle, les mots ont le poids de la peinture à l’huile : ils sont denses, malaxés avec soin, habités par une exigence de justesse qui ne laisse aucune place au hasard. Cette Alsacienne de racines, dont l’héritage mêle la droiture, les valeurs d’un père et la chaleur latine d’une mère aux origines espagnoles, a longtemps contenu son besoin vital de créer. Elle a observé, dessiné dans l’ombre, attendu que le temps soit mûr pour s’autoriser enfin à « poser » ce qui l’anime au plus profond. Une éclosion patiente, marquée par l’influence d’une grand-mère résistante, qui lui a légué cette force intérieure et ce refus du compromis. Aujourd’hui, sa peinture n’est pas une simple pratique artistique ; c’est un acte de proposition, une manière de mettre de l’ordre dans le tumulte du monde pour en extraire une vérité nue.
Son parcours n’est pas celui d’une évidence encouragée, mais d’une conquête. Mariée jeune, passée par le métier de décoratrice de vitrines où elle domptait déjà la justesse de l’espace, Yolaine a attendu le « déclic » de ses trente ans pour s’inscrire aux cours d’art de Colmar. Là, elle comprend vite qu’elle ne cherche pas à « s’occuper », mais à exister. La rencontre avec un peintre professionnel de renom sera déterminante : dix ans de compagnonnage philosophique et technique, jusqu’à ce jour où il lui lâche la main pour la laisser voler de ses propres ailes. Pourtant, l’audace de montrer son travail ne viendra que bien plus tard, poussée par le regard d’un ami galeriste. Car Yolaine ne peint pas pour plaire, elle peint pour s’extraire de ses « ténèbres intimes ».
Lorsqu’elle franchit le seuil de son atelier – ce refuge indispensable situé face à son école d’enfance, comme un clin d’œil au destin – Yolaine s’affranchit du regard de l’autre. Le matin, elle prend son temps, regarde les oiseaux et le vent dans les arbres. Ce n’est qu’ensuite, portée par les paroles de Stephan Eicher entre autres, ou la puissance d’un Oratorio, qu’elle entame son corps-à-corps avec la matière. Elle ne travaille qu’à l’huile, pour sa sensualité et sa lenteur. Elle apprivoise la toile vierge au fusain, puis bâtit ses fonds de terre d’ombre et de noirs profonds. Mais attention, son noir n’est jamais une impasse. C’est un « terreau », une substance vivante qu’elle modèle au chiffon et à la brosse pour y débusquer la faille. Elle ne pose pas la lumière ; elle la cherche, elle la traque dans l’épaisseur jusqu’à ce qu’elle jaillisse, salvatrice. C’est cette quête de la « belle espérance », chère à René Char, qui fait vibrer ses œuvres.
Une mutation s’est opérée pendant le confinement. Alors qu’elle peinait à retrouver son essence, Yolaine s’est souvenue d’une expérience dans une chapelle du Luberon où elle avait utilisé du calque pour sa transparence. Ce qui n’était qu’anecdotique est devenu une clé de voûte. Aujourd’hui, elle fait dialoguer les supports : la toile, qui nous arrête et nous impose de traverser le noir, et le calque, qui se laisse pénétrer par la lumière diffuse. Sur le calque, les signes et les traces flottent comme des fragments ouverts sur l’avenir. C’est une inversion des forces, une douceur qui vient compléter la radicalité de ses grands formats carrés.
Pour Yolaine, créer c’est habiter. C’est poser ses questions existentielles sur la trame de la vie. Amoureuse de la ponctuation, elle donne à ses œuvres des titres longs, jalonnés de points de suspension, comme pour laisser au spectateur le temps de respirer entre les lignes. « Avec le noir, on ne peut pas mentir », dit-elle. C’est une mise à nu, une aventure intérieure où le geste devient médiateur d’un langage commun. Et quand un visiteur s’arrête devant son travail et murmure « Quelle lumière ! », Yolaine sait qu’elle a touché juste. Elle a réussi à transformer son intranquillité en une clarté nourricière, offrant à chacun un miroir où l’humanité, dans sa fragilité et sa force, peut enfin se reconnaître.
En Une : Portrait Yolaine Wuest
